Runway AIF 2026首尔展映会:AI影像真正开始成为电影

今天前往首尔电影中心,参加了在此举办的Runway AIF 2026 : Seoul特别展映会。这是一场汇集全球知名AI影像盛会Runway AIF 2026十部决赛作品的活动。展映于2026年8月7日下午3时至4时30分在首尔电影中心举行,由AI Contents Lab、MBC C&I与100 Going共同主办。

此次展映所见的十部作品,均为10分钟以内的短片。片长虽短是一种局限,但也正因如此,每部作品的取舍——选择了什么、省略了什么——都显得格外清晰。Runway官方AIF 2026页面公布的影片单元决赛名单如下:https://aif.runwayml.com/

• A Face Only A Mother Could Love — Robert Gaudette,7分50秒
• THE WELL — Dorian & Daniel,5分29秒
• Where Knights Fall — Mathery
• Costa Verde — Léo Cannone & New Forest Film
• TAIRELL ISN'T REAL — Dave Clark,5分4秒
• Little Mes — Lucas Levitan & Fabián Jiménez,4分19秒
• Between Before and After — Sifang Chen & Yang Wang,8分21秒
• POSTMAN — YUUUKI,7分
• 살(煞) - Divine Retribution — Choi Minju,7分39秒
• Simiyu, Lies and Happiness — John Kirk Kelly

如今角色一致性与作品完成度本身已不再是问题

最先感受到的是,维持角色一致性、或将一部作品完整制作出来,已不再是观众心中的首要疑问。仅仅一两年前,生成式影像中每个镜头人物面孔、服装、空间的晃动,还是欣赏作品的最大障碍。而这一次,观众不再去数技术上的瑕疵,而是关注场景如何过渡到下一个场景、人物有何感受、镜头为何处于那个位置。

这一变化并不只是画质提升那么简单,而是意味着影像开始具备电影的质感。生成式影像正在跨越依靠结果的惊艳感抓住观众的阶段,开始凭借场景的时间感与节奏来牵引观众。

如今最重要的是剪辑

此次展映中最凸显的一点是剪辑的重要性。决定作品观感的,不是AI能否生成某个场景,而是在众多场景中选择哪些、以何种顺序排列、在何处停顿。10分钟以内的时长限制,使这一点更加鲜明。仅靠美丽画面的持续堆叠并不能构成电影,画面之间的间隔、镜头长度、声音与静默才共同构建了叙事。

如今的创作者不能只是撰写生成模型提示词的人,更要成为在剪辑室中设计节奏的人。拥有大量优质镜头与最终成就一部优秀电影之间,依然横亘着剪辑这道巨大的门槛。

目光先被最美的作品吸引,但留存最久的是拥有自身世界观的作品

由于时长仅有10分钟,视觉上美丽的作品最先吸引了目光。要在短时间内让世界观令人信服,色彩、质感、光线与动态强烈的作品能更快抓住观众视线。但放映结束后回想,那些娴熟沿袭既有电影大师范式或场面调度的作品,作为影迷,也让人略感遗憾。

娴熟复现熟悉的电影语法,与打造属于自己的电影,是两回事。此次片单中更令人欣喜的时刻,是那些没有复制传统作品表面、而是坚持推进独特美感与世界观的瞬间。AI影像的下一阶段,不会取决于“做得像谁”,而在于“这是否是唯有这位导演才能创造的世界”这一问题。

一场延续摄像机记忆的夏天:Costa Verde

在参展作品中,对于亲身使用过摄像机的一代人而言,尤其值得关注的是Costa Verde。据Runway官方介绍,这部作品讲述了1990年代科西嘉岛上一名少年第一次拥有相机,记录下与祖父母共度的夏天。当祖父与祖母并肩站立的画面出现在银幕上时,这部电影想要表达的东西,一个镜头便已交代清楚。令人联想起VHS与16mm家用录像的质感、如变焦镜头转动般的机械声响、焦点区域变化的瞬间,这些细节超越了单纯的复古滤镜,真实地运作成了一份摄像机式的记忆感。

这种效果并非模仿过去的装饰,而是将“拿起相机凝视某人的生活”这一行为本身变成了一种幻想。尽管是AI生成的画面,却产生了仿佛真的有人曾在那个夏天举着摄像机的记忆感。

从童话中滑落的王子:Where Knights Fall

另一部令人印象深刻的作品是Where Knights Fall。这部作品在世界观与场面调度的构思上尤为出色。据Runway官方介绍,长发公主在塔顶等待,塔下堆积着此前挑战失败而倒下的骑士、公主与王子们的尸体,最终一名男子抵达塔下,却没有攀爬,而是匍匐、滑倒。

这是对我们熟知的“长发公主在塔中等待王子,王子前去营救”这一童话结构的颠覆式戏仿。这部作品有趣之处在于,它将既有叙事中庄严的英雄气概,转化为一连串滑稽而肉体化的失败。这也说明,当AI不止步于复现古典奇幻的表层、而是扭转其语法时,反而更接近于表达自身的声音。

接下来的课题是细腻的情感表演与镜头意图

未来,若能在提示词中更具体地加入演员细微的情感表演与镜头效果,成片效果应会更好。仅仅做到面部不崩坏是不够的,开口说话前的犹豫、移开视线的速度、试图掩饰情绪却未能成功的表情,这些极细微的变化才会改变场景的意义。

镜头也是如此。用长焦镜头远远注视同一人物,还是用手持镜头跟随,抑或用固定的广角镜头将其孤立呈现,观众感受到的距离感会截然不同。如今的生成式提示词,不应只是订购“美丽画面”的句子,而应更接近于指示演员、镜头与剪辑之间关系的导演笔记。

为独立电影导演打开的新篇章

总体而言,与一两年前相比确实有了明显的变化。看完这次展映后,我认为AI影像已不再是仅凭“由AI制作”这一事实来定义的类型,它已经开始具备电影的质感。

这一变化可能会为独立电影导演打开一扇新的大门。以往因巨额制作费、设备或场地问题而只能停留在脑海中的世界,如今可以通过实际影像进行试验。当然,制作门槛降低的同时,导演的标准反而提高了。因为需要说明的不再是能做出什么,而是为何要用这样的镜头、这样的节奏来呈现它。

今天的结论很简单:AI影像已从证明制作可行性的阶段,迈入证明电影化选择的阶段。未来能长久留存的作品,不会是最惟妙惟肖地复制大师场面调度的作品,而是凭借自身独特的美感与世界观,为观众留下全新记忆的作品。

一次性看完十部之后才看清的共同点

十部作品虽运用了不同的类型与视觉语法,但共同点在于都选择了将AI隐藏于场景之中,而非将其推至台前。它们没有不断向观众强调“这个场景是AI制作的”,而是优先传递人物的行动、空间的氛围以及对下一个镜头的期待。技术不再是正面主题,而是逐渐成为制作过程的一部分。

这一点极为重要。在AI影像的早期作品中,生成工具留下的痕迹本身就是看点——画面变形的方式、不真实的动态、图像突然转变为另一种形态的瞬间,都吸引着观众的注意力。而这一次恰恰相反,当这些装置不干扰叙事时,作品才能获得更持久的生命力。观众不再逐帧确认是否为生成画面,而是跟随场景想要讲述的内容。

时长越短,越能显露出导演的态度

10分钟以内的时长,并非单纯的展映条件,而是揭示每位导演有所取舍的剪辑条件。是用长篇台词交代人物的过去,还是仅凭一个镜头的表情留白;是用多个场景阐释世界观,还是仅凭一个场景的质感来暗示,这些都需要做出选择。

在短片中,一个场景往往要承担一种以上的功能——既要介绍空间,又要展现人物;既要交代人物情绪,又要为下一个事件做铺垫。因此,即便一部作品拥有众多美丽画面,若场景之间关联薄弱,观感便会显得割裂。反之,一两个与叙事方向紧密相连的强烈画面,反而能留下更悠长的余韵。

这也是我在此次展映中格外重视剪辑的原因。如今,用AI制作出优质场景的能力,正逐渐成为多数导演都能共享的基本功。差异则产生于何时展示、何时隐藏该场景,维持多长时间,以及与何种声音搭配。

各作品不同的电影化处理方式

A Face Only A Mother Could Love与THE WELL在短时间内清晰塑造人物与事件的方式令人印象深刻。前者聚焦外貌、目光与关系的错位,后者则通过童话式的事件与推理来构建世界。两部作品都没有堆砌生成图像的细节,而是更倾向于让观众对接下来的情节产生好奇。

TAIRELL ISN'T REAL与Little Mes更直接地处理了身份认同与选择的问题。在网络世界中被质疑真实性的人物,以及反问“若当初做出不同选择会成为怎样的人”的人物,都与“生成图像”这一概念高度契合。但这里重要的并非使用了AI这一素材本身,而是将该素材转化为人物不安与悔恨的戏剧张力。

Between Before and After与Simiyu, Lies and Happiness被理解为处理时间、记忆与人际距离的作品。尤其是在短暂的片长中,它们没有交代关系的完整历史,而是致力于捕捉许多事情已然过去之后的某一瞬间。这类作品中,演员细微的表情、目光的方向以及场景结束的时机就显得尤为重要。

POSTMAN将逐渐消失的书信文化与情感的修复联系在一起,这种处理方式令人印象深刻;而살(煞) - Divine Retribution则通过朝鲜时代的村庄、陌生的存在,以及母亲、巫女与村民的恐惧,将韩国本土题材引入了生成式影像的世界。Choi Minju导演的作品之所以格外具有意义,并非仅仅因为加入了韩国背景,而是因为它以视觉氛围推进,呈现出恐惧与信仰如何在共同体内部蔓延。

美是入口,世界观是余韵

坦白说,放映结束后,首先浮现在脑海中的是那些视觉上美丽的作品。色调、光线、空间的规模以及动态的流畅,都能在短时间内说服观众。尤其在10分钟以内的作品中,视觉上的完成度往往就是第一印象。

但事后再度回想,仅凭美丽是不够的。即便画面再精致,如果看不见画面所处世界的规则,观感便会很快消散。反之,即便某个场景的质感略显粗糙,只要存在唯有那个世界才可能发生的行动与情感,作品便能长久留存。

因此,在这份片单中,比起娴熟复现既有大师场面调度的作品,我从坚持自身独特感觉的作品中感受到了更大的可能性。能一眼看出参考对象的作品固然交代了出发点,但更重要的是接下来创造出了什么新的东西。若不想让AI止步于重新描摹过去的电影,导演个人的记忆、独特的偏好乃至难以言说的世界观,都必须留存在画面之中。

需要能够指挥镜头的提示词

未来,生成式影像的提示词必须超越单纯描述主体与背景的层面。即便同一人物站在同一房间,镜头注视人物的方式不同,场景的情绪也会截然不同。

长焦镜头会在人物与观众之间制造出被压缩的距离感,广角镜头则能同时展现空间结构与人物的孤立。手持镜头制造出不稳定感与现场感,固定镜头则强调人物无处可逃的状态。缓慢的推镜逐渐收紧情绪,突然的摇镜则强行将观众的视线引向事件本身。

演员的表演同理。与其写下“悲伤的表情”,不如指示出行动的先后顺序——比如为忍住哭泣而抿紧嘴唇、将视线移向一旁,最终却又回望对方的瞬间,这样的处理更具电影感。因为情感并非发生在某一个表情上,而是产生于时间之中。

独立电影导演所需要的并非更多画面

此次展映后,AI将为独立电影导演开启新篇章的想法变得更加清晰。但这扇新篇章,并不意味着仅仅是以更低成本制作更多场景的机会。它更接近于:创作者能够快速试验只存在于自己脑海中的场景,舍弃失败的方向,并尝试不同的剪辑结构。

以往,只有在租借场地、召集演员与工作人员、准备设备之后,才能拍摄验证一个设想。如今,可以先用影像来确认这个设想。但需要判断的事情也随之增多——是原样采用生成出的画面,还是像实拍那样重新设计,又或是将画面的瑕疵用作一种风格,都需要做出决定。

归根结底,独立电影导演所需的竞争力,并非最了解生成工具,而是选择要制作什么内容的判断力。生成式影像降低了制作的门槛,却并未降低作品的标准。反而当观众越来越不在意技术瑕疵时,导演在叙事与执导上将受到更严格的审视。

亲赴首尔观摩后留下的结论

此次展映并非在追问AI影像能否成为电影,而是在追问那些已经具备电影质感的作品还需要具备什么。答案是剪辑、情感表演、镜头的意图,以及属于自己的世界观。

一两年前的AI影像中,“被制作出来”这一事实本身就是一件大事。如今,大事发生在其后:观众开始追问,导演在众多生成结果中选择了哪个场景、舍弃了哪些场景,为何这个人物在此刻沉默,为何镜头在此处停下。

能够承受这种追问的作品,才会在未来存活下来。技术的发展已经为许多人创造出相似的起跑线。而在这条起跑线上走得更远的方法,不是堆砌更华丽的画面,而是始终坚守属于自己的节奏、美感与世界观。

本文是笔者于2026年8月7日在首尔电影中心亲自出席Runway AIF 2026 : Seoul特别展映会后所写的观影记录。作品名称、导演、片长及官方剧情简介均已对照Runway AIF 2026官方页面标注。