Runway AIF 2026首尔展映：AI影像真正开始成为电影

• A Face Only A Mother Could Love — Robert Gaudette，7分50秒
• THE WELL — Dorian & Daniel，5分29秒
• Where Knights Fall — Mathery
• Costa Verde — Léo Cannone & New Forest Film
• TAIRELL ISN'T REAL — Dave Clark，5分4秒
• Little Mes — Lucas Levitan & Fabián Jiménez，4分19秒
• Between Before and After — Sifang Chen & Yang Wang，8分21秒
• POSTMAN — YUUUKI，7分
• 살(煞) - Divine Retribution — Minju Choi，7分39秒
• Simiyu, Lies and Happiness — John Kirk Kelly

角色一致性和作品完成度本身已不再是问题

最先感受到的一点是,维持角色一致性或把一部作品完整制作出来,已不再是观众的首要疑问。仅仅一两年前,生成式影像每个镜头中脸部、服装、空间的抖动还常常阻碍观众的观影体验。而这次,大家不再去数技术缺陷,而是关注场景如何过渡到下一场景、人物的情感变化、以及镜头为何处于那个位置。

这一变化并不只是意味着画质变好了,而是意味着影像开始让人感觉像电影。生成式影像正在从依靠结果的惊奇感抓住观众,转向依靠场景的时间与节奏来牵引观众。

现在最重要的是剪辑

本次展映最突出的一点是剪辑的重要性。决定作品给人的印象的,并非AI能否生成某个场景,而是从众多场景中选择什么、以何种顺序排列、在哪里停顿。10分钟以内的限制让这一点更加凸显。仅靠不断堆叠美丽画面并不能成就一部电影。画面之间的间隔、镜头的长度、声音与沉默共同构成了叙事。

如今的创作者不能只是写生成模型的提示词的人,更要成为在剪辑室里设计节奏的人。“有很多好镜头”和“成为一部好电影”之间,依然横着一道巨大的门槛——剪辑。

视线先被最美的作品吸引,但留下最久的是拥有自己世界的作品

由于时长仅10分钟,视觉上美丽的作品最先吸引了目光。要在短时间内说服观众相信一个世界,色彩、质感、光线和运动感强烈的作品会更快抓住观众的视线。但展映结束后回想起来,那些娴熟地追随既有电影大师范式或场面调度的作品,作为影迷也让人略感遗憾。

熟练复现熟悉的电影语法,与打造属于自己的电影,是两件不同的事。这次片单中更令人惊喜的,是那些不复制经典作品表面、而坚持独特美感与世界观的瞬间。AI影像的下一阶段,将不再取决于“模仿了谁”,而是取决于“这是否是只有这位导演才能创造的世界”。

延续摄像机记忆的夏天：Costa Verde

在参展作品中,对亲身用过摄像机的一代人来说尤其能引起共鸣的作品是Costa Verde。据Runway官方介绍,该片讲述1990年代科西嘉岛,一个男孩第一次拥有相机,记录下与祖父母共度的夏天。当银幕上出现祖父母并肩而立的画面时,这部电影想做什么已通过这一个镜头交代清楚。令人联想到VHS和16mm家用录像的质感、仿佛变焦镜头转动的机械音、焦点区域变化的瞬间,超越了简单的复古滤镜,更像真实摄像机留下的记忆本身。

这种效果并非模仿过去的装饰,而是把“举起相机凝视某人生活”这一行为本身变成了幻想。虽然是AI制作的场景,却生出一种仿佛真有人在那个夏天举着摄像机拍摄的记忆感。

滑出童话之外的王子：Where Knights Fall

另一部令人印象深刻的作品是Where Knights Fall。这部作品的世界观和场面调度构思尤其出色。Runway官方介绍称,长发公主在塔顶等待,塔下堆满了此前挑战失败而倒下的骑士、公主和王子们的尸体,最终一名男子抵达,但他没有向上爬塔,而是在地上爬行、滑倒。

这是对我们熟知的“长发公主在塔上等待王子,王子前去营救”这一童话结构的颠覆式戏仿。这部作品的有趣之处在于,它把既有叙事中庄严的英雄气概,转化为一连串滑稽而肉体化的失败。这也表明,当AI不止步于复现经典幻想的表面,而是扭转其语法时,反而更接近自己的声音。

接下来是细微的情感表演和镜头意图

今后,提示词中若能更具体地融入演员的细微情感表演和镜头效果,效果应会更好。仅仅做到面部不崩坏是不够的。开口前的犹豫、躲避视线的速度、想隐藏情感却失败的表情——这些极其细小的变化,会改变整个场景的含义。

镜头同样如此。用长焦从远处凝视同一个人物,还是用手持镜头跟随,或是用固定的广角镜头将其孤立起来,观众感受到的距离感会完全不同。如今的生成提示词不应再是订购“美丽画面”的句子,而应更接近指示演员、镜头与剪辑之间关系的导演笔记。

为独立电影导演打开的新篇章

总体而言,与一两年前相比已经确实不同了。看完这次展映后,我认为AI影像已不再是仅凭“这是用AI制作的”这一事实就能被定义的类型。它已经开始让人感觉像电影本身。

这种变化可能为独立电影导演打开新的篇章。以往因制作费、设备、场地协调等问题只能停留在脑海中的世界,现在可以直接用影像去验证。当然,制作门槛降低的同时,导演标准反而会提高。因为需要说明的不再是“能做什么”,而是“为什么要用这样的镜头、这样的节奏来呈现”。

今天的结论很简单。AI影像已从证明制作可行性的阶段,迈入了证明电影选择的阶段。未来能长久留存的作品,不会是最逼真复刻大师场面调度的作品,而是凭借自己的美感与世界观,为观众留下全新记忆的作品。

一次看完十部之后才看到的共同点

十部作品各自使用了不同的类型和视觉语法,但共同点是它们都选择将AI隐藏在场景之中,而非推到最前面。它们没有不断向观众提醒“这个场景是用AI制作的”,而是优先传达人物的行动、空间的氛围以及对下一镜头的期待。技术不再是主题本身,而是制作过程的一部分。

这一点非常重要。在AI影像的早期作品中,生成工具留下的痕迹本身就是观赏点:画面变形的方式、不真实的运动、图像突然转变为另一种形态的瞬间,都能吸引观众的关注。而这次恰恰相反——当这些装置不干扰叙事时,作品才更能持久打动人。观众不再逐帧确认是否为生成画面,而是跟随场景想要讲述的内容。

片长越短,越能显露出导演的态度

10分钟以内的时长并非只是展映的条件,更是揭示每位导演做出何种取舍的剪辑条件。是用长篇台词交代人物的过去,还是用一个镜头的表情留白;是用多个场景讲解世界观,还是用一个场景的质感来暗示——都必须做出选择。

在短片中,一个场景往往要同时完成两件以上的任务:在介绍空间的同时展现人物,在说明人物情感的同时铺垫下一件事。因此,即便一部作品画面再美,一旦场景之间的关联薄弱,观感就会碎裂。反之,一两个强烈的意象若能与故事走向相连,则会留下更持久的余韵。

我在这次展映中之所以最看重剪辑,原因也在于此。如今用AI制作出好的场景,正逐渐成为多位导演都能共享的基本功。真正的差异,产生于何时展示、何时隐藏这个场景,维持多久,以及配以什么声音。

各作品之间不同的电影方式

A Face Only A Mother Could Love和THE WELL都在短时间内清晰地塑造出人物与事件,这一点令人印象深刻。前者以外貌、目光与关系错位为核心,后者则通过童话式的事件与推理构建世界。两部作品都更倾向于让观众好奇接下来会发生什么,而非罗列生成图像的细节。

TAIRELL ISN'T REAL和Little Mes更直接地探讨了身份与选择的问题。一个在网络世界中被质疑自身真实性的人物,一个反问“如果当时做了不同选择,自己会成为怎样的人”的人物,都与“生成的影像”这一题材天然契合。但这里重要的并非仅仅使用了AI这一素材,而是把这一素材转化为人物的不安与后悔这一戏剧性内容的努力。

Between Before and After与Simiyu, Lies and Happiness则更像是关于时间、记忆与人与人之间距离的作品。尤其在短片长内,它们没有试图讲述整段关系史,而是试图捕捉许多事已经过去之后的某一个瞬间。这类作品越发依赖演员的细微表情、目光方向以及场景收尾的时机。

POSTMAN将逐渐消逝的书信文化与情感的复原联系起来,给人留下深刻印象;살(煞) - Divine Retribution通过朝鲜时代村落、陌生存在、母亲、巫师以及村民们的恐惧,将韩国式题材带入了生成式影像的世界。Minju Choi导演的作品尤其有意义,不仅是因为加入了韩国式背景,更因为它以视觉氛围推动展现了恐惧与信仰如何在一个共同体内蔓延。

美是入口,世界观才是余韵

老实说,展映刚结束时,首先浮现在脑海的是那些视觉上美丽的作品。色调、光线、空间规模和运动的流畅感,能在短时间内说服观众。尤其是在10分钟以内的作品中,视觉完成度就等同于第一印象。

但过一段时间再回想,仅有美丽是不够的。无论画面多么精致,如果看不到该画面所处世界的规则,观感很容易就此终止。反之,即便某个场景的质感稍显粗糙,只要存在只有那个世界才可能有的行为与情感,作品便能留存更久。

因此,相比娴熟复现既有大师场面调度的作品,我在这次片单中,反而对那些坚持自身感觉的作品感受到更大的可能性。能让人辨认出参考对象的作品,交代了出发点,但更重要的是接下来它创造出了什么新东西。如果AI不想只停留在重新描绘过去电影的工具层面,就必须把导演个人的记忆、奇特的偏好乃至难以言说的世界观,都留在画面之中。

需要能够指示镜头的提示词

未来,生成式影像的提示词必须超越单纯描述主体和背景的层面。即便是同一个人物站在同一个房间里,镜头以何种方式凝视这个人物,场景所传达的情绪也会完全不同。

长焦镜头会在人物与观众之间制造出压缩的距离感,广角镜头则能同时展现空间结构与人物的孤立感。手持镜头制造不安定感和现场感,固定镜头强调人物无法逃脱的状态。缓慢的推镜逐渐收紧情绪,突然的摇镜则将观众的视线强行拉向事件方向。

演员的表演也是如此。与写“悲伤的表情”相比,不如描述行动的顺序——比如为忍住哭泣而闭紧嘴唇、将视线移向一侧,最终又重新看向对方的瞬间——这样会更具电影感。因为情感并非产生于单一表情,而是在时间中生成的。

独立电影导演所需要的并非更多影像

这次展映之后,我更加确信AI会为独立电影导演打开一扇新的门。但这扇门并不只是意味着能以更低成本制作更多场景的机会。更接近的意思是,创作者能够快速验证只存在于自己脑海中的场景,舍弃失败的方向，尝试不同的剪辑结构。

以前要拍出一个假设,得先租场地、召集演员和团队、准备设备。现在则可以先用影像验证这个假设。但需要判断的事情也更多了:是原样接受生成出的场景,还是要像实拍那样重新设计,或是把场景中的瑕疵当作一种风格来使用。

归根结底,独立电影导演所需要的竞争力,不是最了解生成工具,而是选择要做什么的判断力。生成式影像降低了制作门槛,但并不会降低作品的标准。相反,当观众越来越不在意技术缺陷时,导演在叙事和导演手法上将会被更严格地审视。

亲赴首尔观看之后留下的结论

这次展映会所探讨的,不是AI影像能否成为电影的问题,而是那些已经看起来像电影的作品还需要具备什么。答案是剪辑、情感表演、镜头的意图,以及属于自己的世界观。

一两年前的AI影像,“被制作出来”这件事本身就是一件大事。如今,大事发生在那之后:观众会开始追问,一位导演从众多生成结果中选择了哪个场景,舍弃了哪个场景,为什么这个人物在这一刻沉默,为什么镜头在这里停下。

能够经受住这些问题的作品,将会在未来存活下来。技术的发展已经为许多人创造出相似的起跑线。而在这条起跑线上跑得更远的方法,不是堆砌更华丽的影像,而是坚持到底属于自己的节奏、美感和世界观。

本文是作者亲身参加2026年8月7日在首尔电影中心举行的Runway AIF 2026 : Seoul特别展映会后撰写的观影记录。作品名、导演、片长及官方剧情简介均对照Runway AIF 2026官方页面进行标注。